L'Arte Barocca: Caratteristiche, Stili e Grandi Maestri della Pittura Europea

Barocco: Introduzione

Il Barocco nasce alla fine del XVI secolo e si estende fino al Settecento. Nato in Italia, da lì si diffonde in tutta Europa. Si tratta di uno stile frutto di un periodo di crisi. L'arte è brillante, fiammeggiante, ed esprime la potenza dei grandi re e la prospera situazione del cattolicesimo. La varietà di condizioni socio-economiche, politiche e religiose fa sì che il Barocco si manifesti in forme "diverse": un Barocco di corte, strumento di propaganda per la Chiesa cattolica e lo Stato assoluto (Italia, Francia, Spagna), e un Barocco borghese e protestante (Inghilterra e Paesi Bassi).

Caratteristiche della Pittura Barocca

• Tecniche: Le tecniche principali sono la pittura murale e l'olio su tela.
• Pennellata: La pennellata varia secondo l'autore, ma tende ad essere sciolta e aperta. La linea perde importanza.
• Colore: Il colore predomina sul disegno, per cui le macchie definiscono le forme.
• Modellazione e Profondità: La modellazione tende ad essere molto teatrale, con violenti contrasti. La profondità continua nella pittura barocca sembra avere tutte e tre le dimensioni. Il senso di profondità è raggiunto da linee convergenti, scorci, un primo piano scuro, e giochi di luce.
• Luce e Ombra: La luce ha un ruolo molto importante. Il Barocco è l'arte di catturare la luce e l'ombra pittoricamente, poiché l'ombra svolge un ruolo senza precedenti in questo periodo, soprattutto nelle zone scure. La forma è soggetta alla luce e può dissolversi o acquisire forza a seconda dell'intensità luminosa.
• Composizione Asimmetrica: La simmetria rinascimentale è perduta. Si preferisce lo squilibrio, realizzato attraverso linee diagonali o forme che indicano che non tutto rientra nella cornice (figure che non sembrano interamente dipinte). Le diagonali creano un'impressione dinamica, rafforzata da scorci e ondulazioni.
• Naturalismo e Realismo: La forma di espressione è naturalistica e realistica. I temi sono vari, con un'enfasi sulla pittura di genere, le nature morte e i paesaggi, che rappresentano una novità.

Alla fine del XVI secolo, l'Italia vede l'emergere di due artisti che daranno carattere alla pittura europea della prima metà del XVII secolo: uno è Caravaggio, l'altro Annibale Carracci.

Pittura Barocca in Italia

La corrente classica di Bologna

A Bologna si sviluppa una corrente che rifiuta la forma idealizzata e finita, ma anche la realtà immediata con le sue imperfezioni. Non dipingono le cose come sono, ma come dovrebbero essere, alla ricerca della bellezza ideale. Sono molto interessati alla natura e creano un tipo di paesaggio di grande bellezza ed equilibrio. Sebbene il sistema di quadratura fosse già stato usato da Michelangelo, furono i maestri di Bologna a dedicarvisi. I Carracci creano un'Accademia per fornire agli artisti conoscenze tecniche, preparazione letteraria e umanistica, al fine di arricchire le loro competenze.

Annibale Carracci (1560-1619)

Annibale è il più significativo. Il suo capolavoro è la decorazione della grande sala di Palazzo Farnese.

Guido Reni (1575-1642)

Guido Reni è un importante seguace dei Carracci e della corrente classica. Tra le sue opere spiccano l'Ippomene e l'Atalanta.

Caravaggio e il Naturalismo

Figura di spicco nella storia della pittura. Era un personaggio sgargiante e violento. Utilizza per tutti i tipi di composizioni, dai modelli di strada a soggetti mitologici e religiosi, senza idealizzazione. Questo approccio è molto efficace perché la Chiesa cristiana si riconosce facilmente in questa pittura. I santi sono uomini comuni, e ciò rende più accessibile il cammino della santità e più comprensibili gli episodi del Vangelo. Questa eccessiva volgarità dei tipi fu il motivo per cui alcune opere furono respinte. Insieme all'accento sul reale, utilizza una risorsa importante: il chiaroscuro, presentando i personaggi e gli oggetti su uno sfondo scuro, evidenziandoli con una luce diretta e violenta, come una ribalta teatrale, che rende chiari gesti e oggetti, portandoli su una sorta di palcoscenico. Ignora il paesaggio, ma apprezza molto la natura morta. Nelle sue opere è importante anche la psicologia del personaggio. Dipinse nature morte e composizioni con tipi popolari, ma i suoi capolavori sono grandi dipinti religiosi in cui la volgarità volontaria dei modelli non toglie grandezza ed emozione a ciò che viene rappresentato: Vocazione di San Matteo, Il Martirio di San Matteo, la Conversione di San Paolo, il Martirio di San Pietro, La Sepoltura della Vergine.

Pittura Barocca nelle Fiandre e nei Paesi Bassi

Lo sviluppo della pittura nei Paesi Bassi è influenzato da fattori sociali, economici, politici e religiosi. La Riforma religiosa ha portato a una separazione completa degli ideali artistici, che si riflette nella pittura: da un lato, una zona cattolica, aristocratica e monarchica sotto il dominio spagnolo (Fiandre); dall'altro, una zona protestante, democratica e borghese (Paesi Bassi).

Pittura Fiamminga

Si moltiplicano i grandi dipinti religiosi da altare, che enfatizzano con forza la vita dei santi e le rappresentazioni dei sacramenti, temi rifiutati dai protestanti. Anche i temi mitologici sono rappresentati in grandi dimensioni, per decorare i palazzi reali e della nobiltà. Il ritratto assume un tono imponente e solenne, dando un'idea dell'alto status del soggetto.

Van Dyck (1599-1641)

Pittore, soprattutto, della nobiltà, che sa abbellire i ritratti conferendo loro un timbro distintivo. Attribuisce grande importanza agli abiti, alle forme sottili e alle figure effeminate. Tra i suoi ritratti spicca quello di Carlo I d'Inghilterra.

Jordaens (1593-1678)

Segue l'influenza di Rubens, ma preferisce temi popolari e umoristici, come Il Re Beve.

Peter Paul Rubens (1577-1628)

La figura più prominente della pittura nelle Fiandre. Dinamismo, vitalità ed esuberanza. Il suo colore è caldo, appreso dai Veneziani; le sue composizioni sono disposte su una diagonale, che conferisce loro un senso di movimento che si estende oltre la cornice. I corpi virili, muscolosi o effeminati, i modelli robusti, carnosi e sensuali sono raggruppati in un ritmo turbolento, con forme contorte. Rubens lavora con la stessa abilità in tutti i generi. Come pittore religioso, ha creato una serie di composizioni di grandi dimensioni, di straordinaria spettacolarità, al servizio della Chiesa trionfante: la Deposizione dalla Croce e la Resurrezione di Cristo. Tra i momenti salienti della pittura storica, spicca la serie di Maria de' Medici, costituita da 21 tele. Come maestro, dipinge e interpreta temi mitologici con sensualità, come Le Tre Grazie, Il Giardino dell'Amore, Il Giudizio di Paride e Venere con Cupido. Ha lavorato anche nel ritratto, creando, ispirato alla pittura veneziana, un tipo di ritratto di corte come quello del Duca di Lerma.

Pittura Olandese

La pittura religiosa da altare scompare completamente, a causa del rifiuto del culto delle immagini. Le immagini religiose sono di piccole dimensioni, da contemplare e meditare nelle stanze della borghesia. I temi mitologici sono raramente affrontati e, dove presenti, hanno un'intenzione allegorica o moraleggiante. Il ritratto assume un tono di intimità, semplicità e realismo. Il tratto più caratteristico della pittura olandese sono i generi realistici, un gusto tipicamente borghese per dipinti di piccole dimensioni destinati alla decorazione delle case, che, a differenza del lusso dei palazzi della nobiltà, cercano comodità e comfort. Si visualizzano immagini di interni, con scene domestiche, immagini di animali, paesaggi e nature morte.

Frans Hals (1580-1666)

È certamente il ritrattista più intimo della sua generazione, interprete speciale della vivacità e della gioia olandese. Cristallizza nel ritratto di gruppo i membri di una società (come I Reggenti dell'Ospedale di Haarlem). Importanti sono anche i suoi ritratti individuali, come La Zingara.

Vermeer di Delft (1632-1675)

Il grande maestro del genere tipicamente olandese degli interni. Nei suoi dipinti di straordinaria semplicità compositiva, fondamentali sono la luce e la bellezza dei colori, con una tecnica quasi divisionista che lo rende un artista molto audace e moderno.

Rembrandt Van Rijn (1606-1669)

Il personaggio più complesso dell'arte olandese. Il vero genio della pittura, ha coperto tutti i campi: ritratto, paesaggio, interni, pittura religiosa, soggetti mitologici, essendo, al tempo stesso, uno dei più grandi disegnatori di tutti i tempi. Il suo stile si caratterizza per il chiaroscuro, con contrasti di luce e ombra; il confine tra i due non è mai netto come in Caravaggio, ma preferisce tonalità dorate e ombre misteriose che costituiscono una grande attrazione nelle sue opere. Il Bue Squartato è una delle nature morte più brillanti che siano mai state dipinte. La serie principale di dipinti di Rembrandt è composta da ritratti, sia individuali che collettivi. Nessun pittore ha dipinto così numerosi ritratti, attraverso i quali, come da prove, si può osservare lo studio di tutte le problematiche legate alle diverse espressioni del viso e alla luce. Ha lasciato anche molti ritratti di gruppo, come La Lezione di Anatomia, dal tono misterioso e drammatico. La Ronda di Notte, commissionata dai moschettieri di Amsterdam. La sfida era rappresentare armi, personaggi, armati e pronti per iniziare un'azione. La luce tende verso di lui, i riflessi e la stessa tonalità di colore dominano. I Sindaci dei Drappieri di Amsterdam, il suo capolavoro, è una composizione potente, ricca di vita interiore e di un idealismo superiore.