Capolavori dell'Architettura e della Scultura Classica e Islamica: Partenone, Doriforo, Colosseo, Alhambra

Il Partenone: Simbolo del Classicismo Greco

Il lavoro che discuteremo questa settimana è il Partenone di Atene. Il tempio principale dell'Acropoli, il Partenone, fu utilizzato per ospitare la statua crisoelefantina di Atena Parthenos, da cui il suo nome.

Contesto Storico e Costruzione

Fu costruito da Ictino e Callicrate sotto la supervisione di Fidia tra il 447 e il 432 a.C., durante l'“Età d'Oro” di Atene, sotto il governo di Pericle. Questo tempio faceva parte della ricostruzione dell'Acropoli, distrutta dai Persiani durante le Guerre Persiane (o Mediche), ed è il principale esponente del classicismo greco del V secolo a.C.

Siamo di fronte a un'opera religiosa di prim'ordine, in quanto è il tempio principale di Atene, destinato a ospitare la statua della dea Atena Parthenos, dea protettrice della città.

Architettura e Correzioni Ottiche

Questo tempio fu costruito in marmo pentelico, presentando le caratteristiche dell'ordine dorico:

• Colonne prive di base.
• Fusto percorso da 20 scanalature.
• Capitelli costituiti da echino e abaco.
• Architrave diviso in triglifi e metope.

Anche se oggi risalta il candore dei suoi marmi, in origine, nonostante ciò che si crede erroneamente, era policromo, con colori forti che sottolineavano gli elementi architettonici.

Siamo di fronte a un tempio di proporzioni regolari: la lunghezza è il doppio della larghezza. Presenta otto colonne sui lati più corti (definito quindi un tempio octastilo) e 17 sui lati più lunghi. Le colonne corrono lungo tutti e quattro i lati, rendendolo un periptero, con sei colonne che precedono il pronao.

Dal pronao si accedeva alla cella, divisa in tre navate con colonne sovrapposte per ottenere l'altezza necessaria a ospitare la statua della dea, alta 12 metri. Nella parte posteriore, separata dal resto, si trova un'altra camera chiamata opistodomo, che serviva a ospitare il tesoro della dea.

Quest'opera è un riflesso non solo dell'ordine dorico, il più austero e classico degli ordini greci, ma anche delle proporzioni armoniche che il tempio greco doveva perseguire. Le proporzioni includono non solo gli elementi, ma anche le loro correzioni ottiche realizzate dagli architetti per ottenere una visione perfetta dell'insieme (come l'irregolarità degli intercolumni, il rigonfiamento dello stilobate e dell'entablamento per evitare l'effetto di cedimento al centro, la leggera inclinazione dei fusti, ecc.).

Decorazione Scultorea e Destino Storico

Il Partenone era famoso nell'antichità non solo per le sue proporzioni slanciate, ma anche per la sua decorazione scultorea, opera dello scultore Fidia, oggi divisa principalmente tra il Louvre e il British Museum.

L'opera che abbiamo discusso ha segnato una pietra miliare nella storia dell'architettura, creando un modello di tempio che fu copiato ripetutamente non solo nel mondo antico, ma anche in epoche più recenti, come nel Neoclassicismo del XIX secolo. Mantenne la sua finalità religiosa per quasi mille anni, essendo prima un tempio pagano, poi una chiesa cristiana e, in seguito, una moschea.

Tuttavia, il destino volle che una bomba veneziana esplodesse nel Partenone, convertito in polveriera turca, distruggendo gran parte della sua struttura. A ciò, nel XIX secolo, si aggiunse il saccheggio delle potenze imperialiste europee che spogliarono la struttura di gran parte della sua decorazione scultorea, oggi divisa tra Parigi e, soprattutto, Londra.

Il Doriforo di Policleto: L'Ideale di Bellezza Maschile

Autore: Policleto di Argo.

Contesto e Caratteristiche

Questa scultura è una delle più rappresentative del periodo classico dell'arte greca (V-IV secolo a.C.), un periodo socio-politico caratterizzato da tensioni tra forme democratiche e aristocratiche. Artisticamente, questa tensione si manifestò con una progressiva evoluzione verso un naturalismo originale. L'opera fu realizzata a metà del V secolo a.C. (440-430 a.C.), ma l'opera che stiamo analizzando è una copia successiva, di epoca ellenistica.

Siamo di fronte a una scultura a tutto tondo o a figura libera, realizzata in marmo, anche se l'originale era in bronzo. Raffigura un uomo giovane, ma non adolescente, nudo, nell'atto di avanzare con il braccio sinistro flesso, poiché portava una lancia che è andata perduta. Riguardo al soggetto, esistono diverse interpretazioni: può essere considerato la rappresentazione di un atleta (un lanciatore di giavellotto), oppure un'opera di tema eroico e mitologico che rappresenta Achille. La verità è che il soggetto è solo un pretesto per Policleto per catturare plasticamente l'ideale di bellezza maschile presentato nel suo “Canone”.

Quest'opera è la più pura incarnazione del prototipo del corpo maschile perfetto: eleganza austera, senza forme erculee o manierismi. Calmo, si muove con sicurezza. Fornisce una soluzione interessante per le figure in piedi a riposo: una gamba sostiene il peso del corpo e l'altra tocca appena terra con le dita dei piedi, flettendo il ginocchio e tirandosi indietro. La tensione generata da questo squilibrio si sposta leggermente, inclinando il bacino e le spalle.

Il Contrapposto e il Canone

Il Doriforo presenta ancora un residuo arcaico: è scolpito con una certa rigidità, i pettorali e le linee della vita e dei fianchi sono piatti e molto evidenti. Introduce la tecnica del peso su una sola gamba. Rappresenta l'atteggiamento di avanzare, una pausa momentanea che unisce stabilità al senso di potenza. È un'azione in movimento con meno forza rispetto al Discobolo di Mirone, ma il busto risponde pienamente a essa.

Il Doriforo tiene la lancia nella mano sinistra (la nostra destra), il che sforza la spalla sinistra e la solleva leggermente. La gamba sinistra non sostiene peso e il fianco cade, mentre il busto si espande. Il braccio destro pende rilassato, la spalla è abbassata. La gamba destra sostiene il peso, l'anca è sollevata. Il torso dal fianco e il braccio sono ritratti. Il contrasto tra il lato del tronco contratto e l'altro espanso conferisce al corpo un equilibrio dinamico, molto diverso dalla simmetria statica dei kouroi, i cui lati sinistro e destro sono fondamentalmente immagini speculari l'uno dell'altro. L'alternanza di tensione e rilassamento combinata con un torso modellabile è chiamata contrapposto. Questa risorsa è stata utilizzata in molte occasioni in tutta la storia dell'arte, essendo stata così utile per infondere un senso di vitalità alle figure di pietra, bronzo o dipinte.

D'altra parte, l'inclinazione a destra della testa del Doriforo rompe il punto di vista unico che avevano le sculture arcaiche. Entrambi i lati della statua hanno qualità molto diverse, ma ognuno separatamente è armonioso e bello. Il lato destro offre una sensazione di riposo grazie alla continuità della linea verticale che va dalla gamba destra che sostiene il peso fino al braccio in posizione rilassata. Il lato sinistro, invece, è angolare, e la posizione del gomito corrisponde alla curva a gomito della gamba sinistra rilassata.

Sebbene non si sia giunti a una conclusione definitiva sulle proporzioni del canone, sembra che la testa sia un settimo del corpo, il viso sia diviso in tre parti uguali (fronte, naso e la distanza dal mento), e l'arco del torace e la piega dell'inguine siano archi dello stesso cerchio, tra le altre misure e proporzioni. Per Policleto, la bellezza si traduce in simmetria e proporzione.

Il “Doriforo” è la forma pratica dei principi teorici formulati da Policleto, purtroppo perduti in un libro intitolato appunto “Kanon”. Si ripete spesso l'affermazione che le forme del Doriforo rappresentano la più alta aspirazione degli scultori greci, ovvero la proporzione perfetta all'interno di un ideale naturalistico. Quest'opera ha rappresentato un nuovo modo di rappresentare il corpo umano, sia nelle rappresentazioni di divinità simili a quelle degli esseri umani, che divenne il motivo fondamentale dell'arte sviluppata dai Greci nel periodo classico, dal tempo delle Guerre Persiane fino alla fine del regno di Alessandro Magno (475 a.C. - 323 a.C.), uno dei periodi più influenti per la storia dell'arte e della cultura in generale.

Il Discobolo di Mirone: L'Istante Fugace

Si discuterà dell'opera che riceve il titolo di “Discobolo” ed è una copia in marmo di una scultura in bronzo realizzata dallo scultore greco Mirone, che visse e operò tra il 480 e il 440 a.C., uno dei migliori rappresentanti della scultura greca del periodo classico.

Tecnica e Stile

Quest'opera presenta la particolarità di essere una copia in marmo di un originale in bronzo che non ci è giunto. Pertanto, è difficile sapere quanta fedeltà mantenga l'opera discussa rispetto all'originale perduto. La scultura che analizziamo, a tutto tondo, raffigura un atleta nel momento precedente al lancio del disco. Il fatto di aver scelto questo momento per rappresentare l'atleta, e non il riposo (caratteristico dei kouroi del periodo arcaico), mostra il percorso seguito dalla scultura greca verso un maggiore movimento. Catturare un momento fugace in movimento è una delle caratteristiche principali di questo scultore, che lavorò principalmente in bronzo.

Ciò fa apparire l'atleta inclinato in avanti, con il braccio destro sollevato che contiene il disco da lanciare, mentre lascia cadere il peso sulla gamba destra, ritardando la sinistra. Ciò genera una composizione a zig-zag che parte dalla gamba destra (che sostiene il peso del corpo) fino al ginocchio, prosegue con un'altra linea fino all'anca, da un lato alla testa e termina alla fine del braccio destro.

D'altra parte, lo scultore mostra un maggiore naturalismo nella rappresentazione dell'anatomia, visibile nella tensione dei muscoli del corpo dell'atleta.

L'opera che abbiamo discusso raggiunse la fama nell'antichità, come testimoniano le diverse copie realizzate intorno al I secolo a.C. ed è un chiaro esempio dell'evoluzione della scultura greca. Contro le forme piatte e ieratiche della scultura arcaica, quest'opera mostra già una profonda conoscenza dell'anatomia da parte dello scultore, riflessa nella tensione dei muscoli dell'atleta colto in un istante prima del lancio del disco.

Tuttavia, questo scultore, Mirone, che lavora intorno alla metà del V secolo a.C., mostra ancora alcune caratteristiche arcaiche, come il fatto di essere un'opera da osservare frontalmente, i capelli scolpiti in modo poco sviluppato sul cranio e la mancanza di espressività del volto, in evidente contraddizione con la tensione trasmessa dal corpo in un momento di massimo sforzo.

Mirone è, insieme a Fidia e Policleto (appartenente a una generazione successiva), uno degli scultori che meglio rappresenta il periodo classico greco. Tuttavia, le sue sculture mostrano ancora alcuni aspetti che non sono cambiati e che, invece, saranno superati nelle generazioni successive di scultori.

Il Colosseo: L'Anfiteatro Flavio di Roma

Costruito tra il 70 e l'80 d.C., durante la dinastia dei Flavi, è un esempio di architettura romana alto-imperiale.

Contesto Storico e Funzione

La costruzione dell' Anfiteatro Flavio, iniziata durante il regno dell'imperatore Vespasiano, che inaugurò la dinastia Flavia e pose fine a quella Giulio-Claudia. Nel tentativo di ingraziarsi la città di Roma e seppellire gli anni bui del regno del suo predecessore, Nerone, Vespasiano decise di prosciugare il lago che Nerone aveva costruito nella sua Domus Aurea e di costruire sul terreno bonificato un grande anfiteatro degno della principale città dell'Impero.

Mentre i Romani adottarono molti degli edifici creati dai Greci, l'anfiteatro è un'opera originale romana, creata dalla fusione di due teatri, e il cui spazio era destinato a combattimenti tra gladiatori o con bestie e a esecuzioni pubbliche, spettacoli sanguinosi popolari tra il popolo romano.

Architettura e Struttura

La grande opera del Colosseo, il cui nome deriva dalla statua colossale di Nerone rappresentato come Helios che si trovava nelle vicinanze, fu un esempio della capacità costruttiva romana di erigere edifici molto grandi. Costruito in blocchi di travertino con giunti in cemento (opus caementicium), tufo e mattoni, l'edificio aveva dimensioni straordinarie: 187 metri di lunghezza per 155 di larghezza e quattro piani.

La facciata è organizzata su quattro livelli articolati in ordini classici differenziati, riservando l'ordine Toscano al primo piano, lo Ionico nel secondo e il Corinzio nel terzo. Altrettanto innovativo è l'uso congiunto dell'arco e dell'architrave. Il quarto piano fu un'ulteriore estensione del tempo di Domiziano e consiste in un corpo solido con pilastri e mensole che miravano a sostenere i pali di legno che reggevano un enorme tendone o velarium, destinato a proteggere dalle intemperie tutti gli spettatori.

Attraverso 80 archi chiamati vomitoria avveniva sia l'accesso che l'uscita dall'edificio, consentendo lo sgombero del palazzo, la cui capacità raggiungeva i 50.000 spettatori, in pochi minuti. Una volta all'interno, si nota il primo utilizzo della volta a crociera, nata dall'intersezione di due volte a botte. La tribuna era divisa in diverse zone, che, dalla zona più vicina all'arena fino alla parte superiore, erano chiamate ima cavea, media cavea e summa cavea.

Sotto l'arena fu costruito, sempre sotto l'imperatore Domiziano, l'ipogeo, una vasta rete di gallerie e sistemi di gru e pulegge la cui funzione era quella di rendere più spettacolare ciò che accadeva sotto l'arena, facilitando la rimozione di animali, gladiatori o scenografie.

Il Colosseo fu inaugurato durante il regno dell'imperatore Tito nell'80 d.C. e i festeggiamenti inaugurali durarono 100 giorni, durante i quali furono abbattute migliaia di animali e persone. Il Colosseo, fin dalla sua costruzione, divenne un simbolo dell'Impero Romano. Rimase in uso fino a quando gli spettacoli gladiatori furono proibiti nel V secolo. Nei secoli successivi, il Colosseo divenne una cava che forniva materiali da costruzione per gli edifici di Roma, fino al 1749, quando Papa Benedetto XIV consacrò l'edificio alla memoria dei martiri cristiani. La sua influenza architettonica fu notevole in epoche successive, come il Rinascimento. Nel 1980 è stato dichiarato Patrimonio dell'Umanità dall'UNESCO.

L'Alhambra: Il Patio dei Leoni e l'Arte Nasride

Il lavoro che si discuterà è noto come il “Patio dei Leoni”, forse il più famoso dell'Alhambra di Granada, l'ultimo e spettacolare monumento ispano-moresco in Spagna. Fu costruito tra il XIV e il XV secolo dalla dinastia Nasride. Il Patio dei Leoni, in particolare, fu costruito nel XV secolo da Mohammed V.

Contesto e Struttura del Palazzo

L'opera di cui parleremo, il Patio dei Leoni, fa parte di un complesso molto più ampio che comprendeva i palazzi o quartieri di Comares e dei Leoni, e la cittadella o fortezza, che svolgeva una funzione chiaramente difensiva. La funzione difensiva del palazzo dell'Alhambra è ben evidente, anche grazie alla sua posizione ai piedi della Sierra Nevada. Il suo nome deriva da Qalat al-Hamra, o “fortezza rossa”, perché l'esterno si distingue per il colore rosso della sua pietra e la semplicità delle sue forme, da cui sporgono le forme cubiche delle torri, che nulla lasciano presagire dell'interno riccamente decorato.

Il Palazzo dei Leoni, l'ultimo a essere costruito, annesso a quello di Comares, è organizzato attorno a un cortile. Questa volta si tratta di un cortile, sul modello del chiostro monastico, con un portico che appare su tutti e quattro i lati, caratterizzato dall'abbondanza di colonne sottili e da molti anelli tipicamente Nasridi, sormontate da capitelli di forma cubica molto decorativi o a muqarnas (stalattiti).

Decorazione e Simbologia

Nei lati più corti si avanzano due padiglioni coperti con un doppio spiovente e risaltano i motivi decorativi ovunque su pannelli di gesso dorato, basati su archi a ferro di cavallo e archi lobati e a muqarnas, e rivestimenti decorativi con motivi geometrici intrecciati. Al centro del cortile appare una grande fontana sostenuta da dodici leoni, da cui partono quattro ruscelli che si collegano con quattro fontane minori collocate nelle quattro sale principali del palazzo. La loro simbologia, insieme all'abbondanza di alberi e piante aromatiche che decoravano il cortile, ci rimanda all'idea del paradiso islamico.

Nei lati lunghi si trovano le sale note come la Sala degli Abenceragi e la Sala delle Due Sorelle, che evidenziano sia la ricchezza della loro decorazione che le loro belle cupole a muqarnas, costruite in gesso che copre un architrave del tetto. Nei lati brevi appaiono sale successive collegate da falsi archi a muqarnas e la luce proviene sia dai lati del palazzo che dalla luce zenitale che penetra attraverso i lucernari superiori, creando bellissimi effetti nell'insieme. Tra queste sale si trova la cosiddetta “Sala dei Re”, per la decorazione pittorica della volta in cui appaiono i re della dinastia Nasride (raro esempio di decorazione figurativa nell'arte islamica).

Siamo senza dubbio di fronte all'esempio più ricco e tardo dell'arte islamica in Spagna. Tuttavia, questo palazzo con stanze disposte attorno a un cortile centrale con fontane, canali e piante non è originale, ma si basa su esempi precedenti, come il Palacio del Castillejo a Monteagudo, Murcia, del periodo Almoravide (XII secolo).

La Moschea di Cordova: La Maqsura e l'Espansione

Il lavoro che poi si discuterà è una delle parti della Moschea di Cordova. In particolare, nella foto possiamo vedere la Maqsura della moschea, cioè l'area antistante il mihrab riservata al Califfo. Siamo quindi di fronte alla zona più nobile della moschea, e questo si traduce nell'essere la più riccamente decorata.

Architettura e Decorazione della Maqsura

Questa Maqsura, accanto al mihrab, è il risultato dell'espansione effettuata sotto il regno di Al-Hakam II, nell'XI secolo, una delle successive modifiche ed estensioni per la moschea che era in costruzione fin dalla sua prima epoca con Abd al-Rahman I nell'VIII secolo.

La prima area dell'immagine mostra una zona nobile, riccamente decorata, come si addice all'area più importante del palazzo. I materiali utilizzati nella sua costruzione sono semplici, mattoni e pietra, ma poi appare ricoperta di diversi marmi colorati e mosaici in pasta di vetro che ne esaltano la visione generale. Il sistema costruttivo varia leggermente da quello utilizzato nel resto della costruzione, in modo che, pur avendo due livelli, è ancora alto, con la prima colonna e il pilastro al secondo piano su colonne sottili che sono attaccate.

Inoltre, sebbene ripeta gli archi sovrapposti che si verificano in tutta la moschea, l'arco a ferro di cavallo è utilizzato al secondo livello, mentre si ricorre all'arco lobato, su cui le chiavi avviano nuovi archi. I colori dei segmenti della sala di preghiera, qui sono sostituiti da segmenti alternati lisci e decorati con decorazioni ataurique (vegetali) sui conci. Vediamo parte del mihrab che era solito usare l'arco a ferro di cavallo, e si distingue per il suo ricco mosaico di colori, blu e oro, decorato con ataurique e lavoro epigrafico di artigiani bizantini inviati dall'imperatore di Bisanzio.

Poiché i supporti sono cambiati, anche in quest'area si opta per la volta contro l'architrave con soffitto a cassettoni del resto dell'edificio. A tal fine, si scelgono volte a vela che non si incrociano al centro, creando una stella nel cui centro si apre una cupola gallonata. Il passaggio dalla pianta quadrata a uno spazio poligonale per consentire questa soluzione costruttiva si ottiene con piccole cupole agli angoli sostenute da archi chiamati pennacchi.

La Maqsura e il mihrab realizzati da Al-Hakam II sono la zona più ricca dal punto di vista decorativo e costruttivo, visibile nell'uso dell'arco lobato, delle cupole e dei mosaici di ispirazione bizantina e nell'uso del marmo policromo. Senza dubbio è stato il finale perfetto per un edificio che, iniziato all'epoca di Abd al-Rahman I, aveva subito successive espansioni a causa della crescita di Cordova, in quest'epoca città raffinata e colta, paragonabile a Costantinopoli e Baghdad in Oriente.

Ma questa non sarebbe stata l'ultima estensione: all'epoca di Hisham II, sotto la guida di Almanzor, si volle ampliare la moschea, in modo che, vedendo l'impossibilità di continuare l'espansione del palazzo a sud, a causa della vicinanza del Guadalquivir, si decise di espandersi verso est, con conseguente decentramento del mihrab e della Maqsura rispetto all'insieme. Questa espansione non raggiunse la bellezza e la qualità della precedente.

La Moschea di Cordova è senza dubbio una delle eredità più belle lasciate dalla presenza musulmana in Spagna. La costruzione di una cattedrale gotica al suo interno alterò la visione d'insieme, ma sopravvisse alla distruzione di locali simili come la moschea di Siviglia.