Capolavori a Confronto: Velázquez Barocco e il Cristo Romanico di Taüll

La Toilette di Venere (Venere e Cupido) di Diego Velázquez

Pittura Barocca Spagnola. 1648. National Gallery di Londra. Olio su tela. 122,5 x 177 cm.

Genere e Contesto Mitologico

Un dipinto mitologico: Venere distesa. L'argomento, iniziato dalla pittura veneta del XVI secolo (come la Venere dormiente di Giorgione e la Venere di Urbino o la Venere che ricrea la musica di Tiziano), è trattato da Velázquez con prodigiosa naturalezza e originalità.

Soggetto e Descrizione

Situata su un ricco drappeggio grigio, su un letto protetto da una tenda cremisi, una donna nuda è vista di spalle, assorto nella contemplazione del proprio volto riflesso in uno specchio. Lo specchio è sostenuto da un ragazzo alato, nudo, appoggiato sullo stesso letto. I personaggi raffigurati sono Venere, dea della bellezza, e suo figlio Cupido, dio dell'amore. Lo specchio permette all'osservatore di scorgere il volto della dea, che altrimenti sarebbe stato nascosto.

Composizione e Spazio

Il corpo femminile in primo piano pervade l'immagine. Dal piede sinistro di Venere iniziano le linee che seguono i contorni del corpo femminile ed evidenziano la sua sensualità, ripetendo le sue curve nel tessuto circostante, a destra, scivolando attraverso le pieghe della coperta e il contorno del corpo sdraiato, e verso l'alto ai bordi della tenda rossa. La figura di Cupido chiude la composizione in senso verticale e saldo. Lo spazio contenuto nel quadro è ristretto, accentuato dalla chiusura del sipario di fondo senza via d'uscita. Con questo modo di comporre, Velázquez ha aumentato il senso di intimità e vicinanza.

Luce e Colore

La luce è calda e luminosa, avvolge il corpo d'avorio di Venere in una perfetta padronanza della prospettiva aerea. Il colore è prevalentemente bianco, nero e rosso, ma in una straordinaria varietà di tinte. Si apprezzano anche tocchi di ocra e nastro rosa. Il rosso del grande sipario posto nella parte inferiore crea un contrasto con lo spazio in cui l'azione si svolge, e il lenzuolo grigio perlaceo mette in evidenza il corpo della dea.

Disegno e Tecnica

I contorni sono chiari. La pennellata è netta, ma con poco rilascio della macchia.

Stile Barocco e Classicismo Velazqueziano

Il dipinto presenta caratteristiche Barocche:

• Composizione con prevalenza di linee diagonali e curve.
• Uso di un colore dominante per dare unità al quadro.
• Mancanza di chiarezza di significato.

Queste si fondono con il classicismo di Velázquez (equilibrio di linee, uso magistrale del colore, luce sottile, tocco delicato, approccio originale al tema).

Interpretazione e Simbolismo

L'interpretazione del quadro è complessa, come tipico del Barocco, e come Velázquez stesso affronta la pittura mitologica, umanizzando il mito. In linea di principio, tutto fa pensare a una scena di toilette di Venere, il che non è insolito poiché la dea è spesso rappresentata in privato. Ma mancano alcuni elementi. In primo luogo, la naturalezza è tale che ci sembra di immaginare non una dea, ma una donna che rimane al di fuori dell'interferenza del pittore-spettatore. Il tema mitologico è una scusa per eludere la rigorosa censura sul nudo femminile? È una buona spiegazione che scopriamo la bellezza sensuale del corpo in contrasto con la volgarità del vero volto, crudelmente esposto dallo specchio, il cui significato simbolico è duplice: la Verità e la Vanità. Magistralmente, Velázquez ci riporta nel regno simbolico. In questo senso, il modo in cui Cupido tiene lo specchio, con le mani giunte e un nastro rosa su di esse, suggerisce che questo è un "prigioniero volontario" e simboleggia il modo in cui l'Amore rimane accanto alla Bellezza. Amore, Bellezza, Verità, Vanità: questa è la riflessione che ci viene proposta.

Influenza Storica

L'approccio di Velázquez a questo tema permise ai pittori successivi di trattare il nudo classico più liberamente, senza le limitazioni tematiche barocche che l'autore dovette eludere. Nel XVIII secolo, Goya dipinse La Maja desnuda (una donna), e Manet, nel XIX secolo, mostrò il nudo in Olympia (il ritratto di una ex prostituta).

Velázquez e il Secolo d'Oro Spagnolo

Nonostante la crisi economica e politica, la Spagna nel XVII secolo visse un periodo di splendore artistico e culturale ("Secolo d'Oro"). La clientela degli artisti era costituita principalmente da chiese e conventi, poiché i nobili e la Corte preferivano artisti stranieri. Pertanto, la maggior parte della produzione artistica era pittura religiosa della Controriforma, ritratti e nature morte, mentre la pittura di paesaggio, mitologica e storica era ancora scarsa o quasi inesistente. I nudi venivano commissionati da collezionisti (aristocratici e re) e necessitavano di una scusa mitologica per non essere considerati soggetti peccaminosi.

Diego Velázquez (1599-1660) è il miglior pittore del Barocco in Spagna e un culmine dell'arte mondiale. Nella prima fase di Siviglia, tenebrista, realizzò nature morte altamente realistiche (come La Vecchia che frigge le uova e L'Acquaiolo di Siviglia). Si trasferì a Madrid nel 1623 come pittore di corte di Filippo IV. Fece due viaggi in Italia (nel 1629 e 1648), dove completò la sua formazione. Dipinse ritratti del re e della sua famiglia (Filippo IV, Conte-Duca di Olivares, il Principe Baltasar Carlos), a cavallo o a caccia, e ritratti di buffoni (come il Niño de Vallecas). Il suo capolavoro è Las Meninas, ritratto di gruppo della famiglia di Filippo IV. Dipinse anche quadri mitologici (I Baccanali, La fucina di Vulcano, Venere allo Specchio, Le Filatrici) e storici (La resa di Breda) e paesaggi (Villa Medici), il che rappresentò una novità nel panorama spagnolo.

Il Cristo in Maestà di Sant Climent de Taüll (Romanico)

Pittura Murale Romanica. 1123 d.C. Attualmente conservato al Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC), Barcellona.

Materiali e Tecnica (Affresco)

Questo dipinto murale è stato realizzato utilizzando la tecnica dell'affresco. Questa tecnica è chiamata 'affresco', poiché è necessario preparare la parete con una malta e dipingere prima che si asciughi. Inizialmente quest'opera fu realizzata per l'abside della Chiesa di Sant Climent de Taüll, nella provincia catalana di Lleida, ma in seguito, per proteggerla e prevenirne i danni, è stata trasferita al Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) a Barcellona, dove è visibile oggi.

Analisi Formale e Stile Romanico

L'opera è realizzata tramite un sistema chiamato "a colori spot" (o campiture piatte), che consiste nel segnare i contorni delle silhouette in modo audace e riempire l'interno con un colore uniforme. Il risultato è un quadro molto sintetico, tecnicamente semplice, ma che riesce a creare un grande effetto espressivo. Eccellono le linee rigide e il loro parallelismo, mostrando una forte influenza dell'arte bizantina e delle decorazioni luminose dei manoscritti miniati.

Significato e Iconografia (Cristo in Maestà)

È raffigurata una figura di Cristo seduto su un cerchio e inscritto in una mandorla, un ovale appuntito. Questo rappresenta il dominio di Cristo sul cosmo e il suo rapporto con il mondo spirituale. Appare, dunque, come il Cristo in Maestà, benedicente con la mano destra e tenendo nella mano sinistra un libro su cui si legge: "Ego sum lux mundi" (Io sono la luce del mondo). Inoltre, nella mandorla, all'altezza della spalla, si possono leggere due lettere dell'alfabeto greco, l'Alfa (A) e l'Omega (Ω), che alludono alle parole di Cristo: "Io sono l'Alfa e l'Omega, il principio e la fine", dato che entrambe le lettere sono la prima e l'ultima dell'alfabeto greco.

Circondano la figura di Cristo cerchi inscritti nelle figure dei quattro evangelisti, la rappresentazione del Tetramorfo, secondo la visione dell'Apocalisse di San Giovanni:

• Un angelo (simbolo di San Matteo)
• Un toro (simbolo di San Luca)
• Un leone (simbolo di San Marco)
• Un'aquila (simbolo di San Giovanni)

Questi simboli, con i loro scritti, hanno testimoniato la vita e la divinità di Gesù.

Contesto e Funzione della Pittura Romanica

La pittura romanica aveva una funzione principalmente educativa, per insegnare i principi fondamentali del cristianesimo e la natura della divinità onnipotente. Il timore di tale divinità suprema, da cui dipendevano sia le forze della natura e della vita che il destino degli esseri umani, si riflette chiaramente in questo affresco di Sant Climent de Taüll, realizzato nel XII secolo d.C., nel 1123.

Per aumentare il carattere di onnipotenza divina si utilizzano risorse geometriche, la rigidità e l'immobilità, la mancanza di movimento che accentuano la solennità e la maestosità del tema divino.

I temi rappresentati negli affreschi romanici, oltre al Cristo in Maestà, includono l'Epifania e l'Adorazione dei Magi, come quella dipinta per la chiesa di Santa Maria de Taüll e ora anch'essa conservata al MNAC di Barcellona. Questo tema sviluppa l'aspetto superiore di Cristo sul re, la subordinazione del potere temporale al divino. La figura della Vergine appare come il trono di Cristo (Sedes Sapientiae). Si siede con il Bambino sulle ginocchia, un ruolo che le era assegnato in quanto serviva da 'sede' o 'materia' da cui Cristo è nato.

Altri esempi chiave di pittura murale romanica decorano il Pantheon Reale dei Re di León, nella chiesa di San Isidoro de León. I soggetti raffigurati sono religiosi, come l'Annunciazione dell'Angelo ai pastori, o profani, come la rappresentazione dei mesi dell'anno.

Fondamentale nella pittura romanica è un'altra sezione: i frontali d'altare. In questo caso il dipinto viene eseguito su legno e i temi chiave sono le vite dei santi a cui sono dedicate le chiese. Una delle opere più conosciute è il frontale di San Quirce e Santa Giulitta, del 1100, conservato al Museu Nacional d'Art de Catalunya.