Esplorando l'Opera di Lorca: Poesia e Teatro

Forma e stile nella Poesia di Lorca

Tutto questo è espresso in un linguaggio di grande forza espressiva, in grado di ricreare mirabilmente nel lettore la straziante esperienza stessa di poeta. Con confuso e spesso si è parlato delle relazioni di questo libro con il Surrealismo, nonostante l'incoerenza, raramente si ottengono metafore profonde e persistenti, secondo i canoni del Barocco, ma di estremo disagio. L'impronta è più per il poeta surrealista ed evidente nel grido di ribellione e radicale contrasto di coscienza sociale.

Frente il metro regolare dei libri precedenti, Lorca ora dà la preferenza al verso libero, ma cori assonanza e la rima sopravvivono in determinati testi. Nei seguenti libri, Lorca coltiva una specie di poesia collegata con se stesso e più erotica. Inoltre, anche se non del tutto abbandonata la versificazione libera, ritornano schemi metrici regolari. Con Divan del Tamarit, più stimolato dalla lettura delle poesie arabo-andaluse, che aveva appena tradotto E. García Gómez, e la loro vecchia conoscenza della poesia araba, il poeta prova una nuova avventura. Si noti, tuttavia, che il libro ha poco a che fare con la visione superficiale e di attualità d'Oriente che hanno lasciato molti europei sin dai poeti romantici. Se si sconta l'aspetto più pesantemente sensuale, Lorca rimane fedele alle sue ossessioni abituali.

In Lamento per Ignacio Sanchez Mejias, una delle sue poesie più perfette, Lorca esegue un tributo al suo amico, il torero Ignacio Sanchez Mejias, morto nel 1934. Anche se ci sono allusioni al mondo della corrida, Lorca, che ha sempre rifiutato di trattare direttamente con il mondo della corrida, evita le interpretazioni folcloristiche e pittoresche, preferendo elementi filosofici. Nelle quattro parti che la compongono, tutto è subordinato alla presentazione, nel bel mezzo di un'atmosfera surreale, di una figura mitica ed eccezionale che porta la morte, il nulla.

La cosa più degna di nota, a parte la straordinaria qualità del linguaggio poetico, è il perfetto adattamento del sentimento elegiaco alla metrica espressa dai Sonetti dell'Amore Oscuro. I sonetti devono rientrare nella tendenza neoformalista che avverte la poesia spagnola di quegli anni, e che diventerà più pronunciata all'inizio del decennio quaranta. Nelle poesie che sono state conservate, pur presente, come nel libro precedente, l'erotismo, vi è una maggiore spiritualità da parte dell'esperienza dell'amore. Questo probabilmente perché, come osservato da Miguel García Posada, il "fatto che questi sonetti celebrano l'amore e consumano una romantica relazione duratura." Il disagio, l'ansia per la prospettiva di perdere quell'amore è, naturalmente, una delle questioni dominanti.

Il Teatro di Lorca

Il desiderio di Lorca di cercare negli anni '30 una letteratura più sincera, più incarnata nei propri conflitti e problemi dell'uomo in generale, ha trovato una risposta adeguata nel dramma. Nel dramma di Lorca, ci sono due piani opposti dell'esistenza: uno intimo e soggettivo, libero, lirico, e uno esterno, repressivo nella sua convenzionalità. Nelle sue opere, Lorca suggerisce che la trasgressione di queste norme di applicazione è l'unico modo per rilasciare una realtà convenzionale, ma la risoluzione del conflitto drammatico è anche sempre chiara: la rottura di tali norme comporta la morte, la solitudine o la frustrazione. Questa è la loro grande risonanza degli anni Trenta. Prima, Lorca dà luce a una serie di pezzi che, in alcuni casi, anticipano le future possibilità del loro grande successo.

La sua prima opera drammatica, Mariana Pineda (1925), ha somiglianze con il dramma 'poetico' in versi, il trattamento romantico, il tema storico... Maggior successo hanno La zattera prodigiosa (1926 e 1933), dove c'è già un conflitto nato dal conflitto tra desiderio e realtà, e Doña Rosita la zitella o il linguaggio dei fiori (1935), che presenta un personaggio che non riesce a vivere l'amore al di fuori della morale. Negli anni '30, Lorca compone il surrealista Il pubblico (1930), i cui simboli e immagini sono oscuri, con chiari riferimenti omosessuali.

Le sue migliori opere sono quelle che si potrebbero chiamare la 'trilogia drammatica della terra spagnola', che sviluppa il tema dell'opposizione e del confronto tra il desiderio di libertà e le forze repressive. Bodas de sangre (1933), la più vitale, è un vivido dramma di un amore impossibile tra zingari. Yerma (1934) è una tragedia di amore contrastato, il dramma delle donne infertili il cui desiderio di amore si trasforma in odio irrazionale per il marito. Lo sviluppo significa che quasi tutto il peso ricade sulla protagonista, e il resto dei personaggi agiscono come un coro tragico. Ma la migliore delle tre è senza ombra di dubbio, La casa di Bernarda Alba (1936), principalmente perché presenta un quadro più realistico, nonostante il marcato simbolismo di molti dei suoi elementi, uno 'sociale', vale a dire quasi vicino a un tipo di produzione più impegnata nella società del suo tempo. La casa di Bernarda Alba descrive una donna autoritaria che è rimasta vedova per la seconda volta, e le sue cinque figlie, che sono recluse in casa per mantenere un lutto molto rigoroso. Tutta l'azione si svolge in quella silenziosa casa. Il mondo esterno, rappresentato dal popolo e da Pepe el Romano, è il vero impulso per l'azione: l'oggetto del desiderio di tutte le figlie di Bernarda, ma solo Adela, la più giovane, si ribella, confrontandosi con l'autorità, la repressione e le convenzioni della madre e del popolo. L'opera termina con la morte.