Evoluzione Artistica del XIX Secolo: Dal Romanticismo all'Impressionismo

Il Romanticismo: Una Nuova Sensibilità Europea

La Rivoluzione Francese, le guerre napoleoniche che colpirono l'Europa e la crisi interna dei regimi storici portarono a una perdita di fede nella ragione. In risposta, emerse una nuova sensibilità caratterizzata da un valore fondamentale dato al sentimento, all'esaltazione della passione, all'intuizione, all'immaginazione e alla libertà individuale. Il Romanticismo è soprattutto un modo di sentire.

La Pittura Romantica

La pittura romantica rifiuta le regole e le convenzioni dello stile neoclassico, rappresentando un momento di rinnovamento delle principali tecniche estetiche e implicazioni per il futuro. Utilizza diverse tecniche: olio, acquerello, incisioni e litografie.

• La trama (texture) inizia ad essere valutata in sé, con superfici ruvide e forme più sottili.
• La pennellata è libera, vivace e piena di espressione.
• Scompare la linea a favore del colore. Si recupera il potere di suggestione del colore, liberando le forme dai limiti definiti.
• L'agente di ordine emotivo è la luce, importante per le sue gradazioni e il carattere teatrale.
• Le composizioni tendono ad essere dinamiche, caratterizzate da linee curve e gesti drammatici (sebbene alcuni autori come Friedrich preferiscano modelli geometrici).

I temi sono vari: il paesaggio è coltivato come risorsa per trasmettere stati d'animo, dominato dall'infinità della natura a cui l'uomo appare trascurato e oppresso. Altri soggetti includono rivoluzioni politiche, disastri, temi religiosi, ritratti, esotismo e fantastico.

Il Romanticismo Tedesco

La figura più importante è Caspar David Friedrich (1774-1840). La rappresentazione della natura raggiunge la massima espressione dove l'uomo incontra il ruolo trascurabile di spettatore di fronte alla grandezza del paesaggio. Alcune sue opere sono "Sorgere della luna sul mare" o "Viandante su un mare di nebbia".

Il Romanticismo Francese

L'autore più rappresentativo è Eugène Delacroix (1798-1863), maestro del colore, che rappresenta la forza di volontà e l'energia. Delacroix è sancito come l'epitome del Romanticismo con il suo "Il massacro di Scio", che rifletteva la carneficina effettuata dalle truppe turche contro i Greci. L'opera più notevole è il dipinto che ricorda la Rivoluzione del 1830, intitolato "La libertà che guida il popolo".

Il Romanticismo Inglese

Negli ultimi anni del XVIII secolo, l'Inghilterra diede un contributo alla pittura di paesaggio romantica attraverso la figura di William Turner (1775-1835). Il suo lavoro esprime la preoccupazione per il colore e la luce, che utilizza in modo rivoluzionario per rappresentare il mezzo attraverso cui il colore sembra diffondersi attraverso l'atmosfera, nebbia, vapore e fumo. Con il suo lavoro "Pioggia, vapore e velocità", divenne campione della pittura moderna.

Architettura: Fabbricati di Ferro e Vetro e Modernismo

Il XIX secolo è un periodo di gestazione. La nuova società industriale necessitava di una risposta alle sue esigenze architettoniche, risposta che si concretizzerà nel Novecento, ma che viene prodotta durante l'Ottocento. È un periodo segnato dallo scontro tra tradizione e le nuove tecniche, materiali e requisiti previsti dalla rivoluzione industriale, dando vita a due correnti principali:

Architettura Storicista

Gli architetti della prima metà del XIX secolo rianimarono diversi stili storici contemporaneamente: il neo-bizantino, romanico, gotico, neo-rinascimentale, neo-barocco e derivati dall'arte islamica. Nessuno ebbe il potere di imporsi sugli altri. Si tratta di un ritorno agli stili del passato, sia nella costruzione che nella decorazione tradizionale, con poca architettura veramente nuova.

• Lo stile neo-gotico fu il più importante. In Francia, Viollet-Le-Duc si dedicò al restauro delle cattedrali gotiche.
• In Inghilterra spicca il Parlamento di Londra, in stile gotico. L'impero coloniale inglese introdusse influenze orientali, come il Padiglione del Principe di Galles in India.

Architettura della Nascita del Ferro

Nata in relazione alla rivoluzione industriale, questa architettura portò una nuova visione costruttiva, modificando tecniche, valori artistici e tipologie.

Il materiale utilizzato è il ferro (ghisa), con supporti elastici adatti a carichi pesanti. Dal 1845 si impose la produzione industriale di acciaio e l'ampio uso di vetro.

• Le pareti esterne sono spesso rivestite con materiali tradizionali (muratura, mattoni, pietra); le pareti interne sono semplici involucri, poiché il carico è sostenuto da un telaio interno.
• I tetti sono in metallo con strutture a telaio o volte rivestite in vetro, piastrelle o lastre.
• La decorazione in metallo è quasi inesistente, ma appare spesso decorazione con materiali tradizionali nel rivestimento esterno.
• Lo spazio interno offre un nuovo concetto spaziale: estensione indefinita, grande, chiaro e luminoso. Si mostra rispetto per simmetria, proporzione e armonia, ma senza teorizzarlo.
• L'obiettivo è la realizzazione di edifici in linea con i tempi: ponti, fabbriche, serre, stazioni ferroviarie, mercati, edifici per esposizioni, segnando la nascita di nuove tipologie. Si crea una nuova tradizione edilizia che segue il principio che la forma segue la funzione.

Le innovazioni si imposero a metà Ottocento: lo scheletro costruttivo permise di costruire in altezza, aprendo pareti di vetro quasi continue e creando un nuovo piano di visione architettonico. Sviluppi come l'invenzione dell'ascensore portarono al grattacielo, accelerato dalla necessità di ricostruire rapidamente le città dopo gli incendi (come avvenne a Chicago).

Principali edifici: il Crystal Palace di Paxton (Londra, 1850-1851), la Sala delle Macchine di Dutert e Contamin, la Torre Eiffel (Parigi, 1889), la stazione di Atocha e il Palacio de Cristal del Retiro di Madrid.

La Scuola di Chicago

Questa architettura raggiunse un picco negli Stati Uniti, dove la centralizzazione dei centri commerciali richiedeva edifici che massimizzassero il valore del terreno. Lo sviluppo degli ascensori e delle strutture in acciaio si combinò per produrre una nuova architettura, i grattacieli, basata sull'utilità e la funzionalità. Il rappresentante di questa scuola è Louis Sullivan, con opere come l'Auditorium Building e i magazzini Carson a Chicago.

Modernismo (Art Nouveau)

Tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, nasce lo stile Modernismo (Art Nouveau), un fenomeno complesso che funge da sintesi del patrimonio culturale ottocentesco e fondamento per molte tendenze architettoniche del Novecento. Si sviluppa nelle città con un certo sviluppo industriale, riflettendo una società moderna, vivace, nuova ed elegante, tipica della borghesia colta e sofisticata.

Nonostante le diverse interpretazioni e nomi locali, mantiene caratteristiche comuni:

• Combinazione di materiali tradizionali con ferro e vetro, usati sia in modo costruttivo che decorativo.
• Le pareti sono modellate in modo plastico e tortuoso, con forme stravaganti. I supporti sono colonne con aspetti di steli vegetali e pilastri in pietra dalle forme fantasiose.
• I tetti sono strutture metalliche rivestite in vetro colorato, consentendo libertà di forma e spazi aperti.
• L'arredamento è un elemento cruciale. Curve e decorazione floreale (alghe, gigli, tulipani, farfalle) si mescolano con un senso organico. Vengono utilizzati ceramiche, rilievi e vetrate.
• La mancanza di simmetria e le forme insolite rivelano un alto grado di razionalizzazione per integrare tutti gli elementi (interni, esterni, scale, materiali, decorazione) in uno stile unitario che crea un'atmosfera intima.

Victor Horta è il pioniere in Belgio e in Europa; la sua opera "La Casa Tassel" a Bruxelles è la prima manifestazione di questo stile.

Modernismo in Spagna

Lo sviluppo industriale della Catalogna permise l'inclusione nelle correnti artistiche europee, rendendo il "Modernismo" sostenibile ed efficace, estendendosi fino agli anni Venti. Architetti come Antoni Gaudí, Lluís Domènech i Montaner e Josep Puig i Cadafalch utilizzarono toni speciali di rame a Barcellona.

Antoni Gaudí (1852-1926): Il più creativo e audace. La sua architettura dimostra la capacità dell'architettura come veicolo di espressione lirica. Opere notevoli includono: El Capricho de Comillas, il Palazzo Episcopale di Astorga, Casa Batlló (dove i muri ondeggiano), Casa Milà (La Pedrera), Parc Güell e la Sagrada Familia (iniziata nel 1883 e mai terminata), uno dei monumenti religiosi più sorprendenti del secolo.

Pittura dell'Ottocento: Dall'Impressionismo al Postimpressionismo

L'Impressionismo

Lo sviluppo del capitalismo e l'industrializzazione trasformarono radicalmente l'Europa. La concezione di realtà, spazio e tempo cambiò rapidamente; la fotografia permise di percepire ciò che l'occhio umano non poteva cogliere. In risposta, l'arte pittorica della seconda metà del XIX secolo si orientò verso l'Impressionismo, origine dell'arte contemporanea.

Gli artisti dovettero lottare per l'accettazione nelle mostre ufficiali, dominate da giurie accademiche conservatrici. Nel 1863 fu organizzato il "Salon des Refusés" (tra cui Manet), e nel 1874 si tenne la prima mostra impressionista (Monet, Renoir, Pissarro).

Caratteristiche dell'Impressionismo

• Tecnica: Olio su tela, talvolta pastello su carta.
• Focus: Catturare l'effimero – l'acqua, il fumo, l'aria. Interesse per paesaggi rurali e urbani, incluse scene banali come stazioni ferroviarie o balli.
• Rivalutazione della luce: La luce e l'aria sono il vero soggetto; si dipinge lo stesso motivo in diverse ore del giorno.
• Colore: Utilizzo di colori chiari, luminosi e puri, giustapposti per ottenere la mescolanza ottica nella retina. Le ombre non sono nere, ma colorate con complementari.
• Pennellata: Libera, breve e veloce; si preferisce la macchia di colore densa per tradurre le vibrazioni atmosferiche. La linea scompare.
• Spazio: Nessun interesse per la profondità illusoria tradizionale (pittura come finestra). La composizione è spesso tagliata come da un obiettivo fotografico.

Principali Esponenti

• Claude Monet (1840-1926): Il più poetico. Obiettivo primario è definire l'immediatezza della sensazione visiva, concentrandosi sugli effetti della luce sull'acqua. Eseguiva serie sullo stesso motivo (es. Cattedrale di Rouen). Il suo dipinto "Impressione, levar del sole" diede ironicamente il nome al movimento.
• Pierre-Auguste Renoir (1841-1919): Rivoluzionario ma legato alla tradizione. Cattura la vibrazione della luce con colori forti (rossi e gialli), esprimendo la bellezza, soprattutto nelle figure femminili (es. "Le Moulin de la Galette").
• Edgar Degas (1834-1917): Più interessato alla forma che al colore. La luce è spesso quella artificiale dei riflettori, evidenziando l'iridescenza delle gonne delle ballerine colte in momenti fugaci. Mantiene il volume delle figure.

Postimpressionismo

Con la dissoluzione delle forme nell'ambiente tipica dell'Impressionismo, i pittori di fine Ottocento cercarono di recuperare volume, modello e significato spaziale. Il Postimpressionismo recupera l'importanza del disegno e si concentra non solo sulla luce, ma anche sull'espressività delle cose e delle persone.

Esponenti Chiave

• Vincent van Gogh (1853-1890): Ad Arles, dipinse paesaggi e figure con forme fiammeggianti, esprimendo la sua interiorità. Utilizzò il colore come veicolo per esprimere depressione e ansia. La sua pennellata è sinuosa, corsiva e spessa; i colori presentano contrasti duri (es. giallo-arancio). Definisce l'Espressionismo del XX secolo (es. "Notte stellata").
• Paul Gauguin (1848-1903): Abbandonò la vita borghese per la Bretagna e poi Tahiti. Utilizzò il colore in modo espressivo, con toni forti, vivi e spesso arbitrari, delimitati da grandi ritmi lineari curvi. I suoi soggetti preferiti erano il mondo esotico di Tahiti e il "primitivismo". Rinunciò alla prospettiva, alla modellazione e alle ombre, influenzando Simbolismo, Fauves ed Espressionisti.
• Paul Cézanne (1839-1906): Recuperò il volume attraverso la geometria, il disegno e la definizione dei tocchi (chiamati costruttivi), senza sacrificare l'alta intensità del colore. Esaltò il primo piano e utilizzò più punti di vista (nature morte). La sua pittura è il punto di partenza del Cubismo e influenzò artisti come Matisse (es. "I giocatori di carte").

Scultura: Rodin (1840-1917)

Contemporaneamente allo sviluppo impressionista, la scultura iniziò la ricerca di un linguaggio nuovo. La scultura di Auguste Rodin ridisegna le ipotesi del realismo, recependo approcci impressionisti come la valutazione del frammento e l'importanza del sentimento della luce.

È il primo scultore a far sembrare un disegno un lavoro finito, grazie a un talento per la modellazione che ripensa lo spazio con superfici e volumi scultorei dove la luce crea forti contrasti.

Opere importanti: "I borghesi di Calais", "Balzac" e "Il bacio".