Evoluzione del Teatro Spagnolo dal Dopoguerra: Autori, Opere e Tendenze

Il Teatro Spagnolo dal Dopoguerra: Un Panorama di Innovazione e Critica Sociale

Il teatro successivo al 1936 rappresenta una reazione contro il teatro realistico, che cercava di rappresentare la realtà come un'illusione. In questa reazione si inseriscono il teatro simbolista, espressionista e surrealista. Nel periodo tra le due guerre (1919-1939), altre forme di superamento del realismo scenico sono quelle di Antonin Artaud, con il "teatro della crudeltà", Bertolt Brecht e il suo concetto di teatro epico, il teatro dell'assurdo di Sartre e Camus e il teatro sperimentale.

Il Teatro Borghese e i Primi Tentativi di Rinnovamento

Dopo la guerra civile, nel dramma spagnolo domina la commedia: si rifiutano Valle-Inclán e Lorca, si esiliano Alejandro Casona e Max Aub, e si esaltano i vincitori. Trionfa la commedia borghese, di tono elegante e con temi che aiutano il pubblico a evadere dalla realtà. Si tratta di una commedia della felicità, dove l'amore e la famiglia sono al centro.

Alcuni autori tentano di rinnovare il teatro comico, come Enrique Jardiel Poncela, caratterizzato dal mistero in situazioni assurde e personaggi che riproducono lo schema borghese padrone/servo. Tra le sue opere più importanti ricordiamo Quattro cuori con freno e retromarcia ed Eloisa è sotto un albero di mandorlo.

Sulla stessa linea, Miguel Mihura si distingue con Tre cappelli a cilindro. Scritta prima della guerra civile, fu rappresentata solo due decenni più tardi, per paura del rifiuto. Divenne così un pioniere del teatro dell'assurdo. Nel frattempo, Mihura divenne una delle grandi figure dell'umorismo spagnolo attraverso opere più convenzionali, dirette al pubblico borghese, come Maribel e la strana famiglia o Pesche in sciroppo.

Mihura tenta anche la commedia di costume, mettendo in ridicolo le forme di amore e di comportamento sociale della borghesia spagnola, come in Ninette e un signore di Murcia o Ninette, modista di Parigi.

Ma la sua opera più interessante rimane Tre cappelli a cilindro, rappresentata per la prima volta nel 1952. Mostra il suo pessimismo e la sua delusione attraverso dialoghi che nascondono l'impossibilità dell'amore, della comunicazione e della libertà. Mihura scopre aspetti della vita umana che dimostrano l'assurdità delle cose che sono e devono essere univocamente in un solo modo. Anche il linguaggio è innovativo, basato su un dialogo irrazionale.

Questo teatro negli anni '50 e, soprattutto, negli anni '60, sfocia in un teatro commerciale in sintonia con i gusti del pubblico, di attualità, con una certa dose di critica, di buona qualità costruttiva e dialoghi drammatici. Si distinguono Alfonso Paso, Juan José Alonso Millán e Antonio Gala.

Il Teatro di Critica Sociale: Buero Vallejo e Alfonso Sastre

Negli anni '50, con la prima di Storia di una scala di Antonio Buero Vallejo, Squadra verso la morte di Alfonso Sastre e la già citata Tre cappelli a cilindro, si intravede la possibilità di un teatro che rifletta i problemi attuali da una posizione apertamente critica.

Antonio Buero Vallejo tratta temi universali nella sua produzione. Difende la libertà, la verità, la giustizia e la solidarietà con dispositivi allegorici e simbolici. Utilizza la tragedia per provocare la catarsi nello spettatore. Le dimensioni sono fondamentali per il suo lavoro. Tra le sue tecniche spicca l'effetto di immersione, come in Nella cocente oscurità, dove il personaggio è cieco.

Le Tre Tappe del Teatro di Buero Vallejo

• Prima Tappa (1946-1957): Da Storia di una scala (1946) a Le carte capovolte (1957). Opere straordinarie come Nella cocente oscurità. Si tratta di opere costruite con un'estetica realista tradizionale, con elementi simbolici.
• Seconda Tappa (1958-1967): Da Un sognatore per un popolo (1958) a Il lucernario (1967), passando per opere come Las Meninas. Si tratta di drammi storici basati su fatti e personaggi reali.
• Terza Tappa (1970-1989): Da La doppia storia del dottor Valmy (1970) a Chiudere la musica (1989), passando per La Fondazione e altre. Contenuto sociale e politico più esplicito, più diretto. Tecnicamente, si tratta di opere che rientrano pienamente nelle tendenze sperimentali degli anni '70.

Il teatro di Buero è un teatro che mira a cambiare gli esseri umani moralmente, essendo un dramma sociale ed etico. La carica implicita è catartica, purificatrice. Non è, quindi, un teatro didattico. Il messaggio di fondo è sempre in secondo piano ed è lo spettatore che deve scoprirlo. Se questo messaggio fosse stato esplicito, il teatro di Buero sarebbe stato censurato.

In un'altra linea separata bisogna parlare di teatro sociale. Perché dalla metà degli anni '50 si accentua quella linea che si era solo intuita nella prima opera di Buero: la protesta e la critica sociale. Il miglior rappresentante di questa tendenza è Alfonso Sastre, che propone come linea di realismo il dramma sociale.

Il realismo sociale degli anni '60 denuncia la miseria e lo sfruttamento. Si distinguono La camicia di Lauro Olmo o La denuncia di José Martín Recuerda.

Il Teatro Sperimentale e il Teatro Indipendente

Negli anni '60 si sviluppa un'altra linea basata sul teatro sperimentale, erede del teatro dell'assurdo di Ionesco e Beckett, e del teatro della crudeltà di Antonin Artaud. Il realismo viene superato e sostituito da nuovi approcci, che possono essere simbolici, allegorici, crudeli... e trattamenti che vanno dall'imitazione del cabaret al sogno, richiedendo uno sforzo maggiore per capire il messaggio nascosto. Si utilizzano risorse come la scenografia o il linguaggio del corpo non verbale. In definitiva, questo teatro è ancora una forma di protesta contro la dittatura.

Tra gli autori più importanti di questa corrente troviamo:

• Fernando Arrabal: autore di un dramma surreale, con personaggi disadattati e situazioni ridicole. Parte della sua opera è il teatro panico, gratuito, provocatorio, in cui predominano la confusione e il terrore. Si distingue Pic-nic (1959).
• Francisco Nieva: il suo teatro affronta il problema della repressione della società, che degrada l'essere umano. Difende la trasgressione, spesso con la liberazione sessuale. Il suo linguaggio è assurdo ed espressionista, barocco, ricordando Valle-Inclán. Tra le sue opere più importanti ricordiamo Il carro di piombo rovente.

Alla fine degli anni '60 e negli anni '70, si vivono momenti di intensa repressione nel teatro. Pertanto, il teatro indipendente utilizza l'allegoria, i simboli o la complicità del pubblico.

Un fenomeno importante è la nascita e l'espansione dei gruppi di teatro indipendente, che operano al di fuori del circuito commerciale, cercando di superare le limitazioni delle attività teatrali e l'inerzia del pubblico. Rinnovano la scenografia e la messa in scena.