Van Gogh: La Notte Stellata - Analisi Approfondita e Significato

La Notte Stellata di Van Gogh: Un'Analisi Approfondita

Dati di Base (DB)

La Notte Stellata di Van Gogh rappresenta il panorama che l'artista vedeva dalla sua stanza nel manicomio di Saint-Rémy-de-Provence. Non vi è la chiesa del paese, ma sono presenti le montagne sullo sfondo.

Elementi Pittorici (EP)

La formulazione è prevalentemente pittorica. Van Gogh utilizza pennellate spesse, indicando chiaramente ogni tratto con diverse direzioni. I contorni delle montagne e delle case sono segnati da una spessa linea nera. Applica il colore direttamente sulla tela con tratti di diverse direzioni. Usa linee rette per le case e linee ondulate per il cielo. Predomina una gamma di colori freddi, blu e verde, sottolineati da linee nere e dall'utilizzo del giallo come contrasto per mostrare i punti luce delle case e delle stelle. La luna è circondata da un alone giallo che la fa confondere con il sole.

Composizione (C)

Il paesaggio notturno presenta due parti distinte. Nella parte inferiore, la terra, il villaggio, con la chiesa e la sua torre a forma di ago. Nella parte superiore, il cielo, la luna e le stelle che irradiano luce con forme circolari. Il cipresso, a sinistra del quadro, serve a unire le due parti. Questo quadro non è una rappresentazione fedele della realtà: il cipresso si avvicina in primo piano e dà profondità al quadro, sullo sfondo si trova il villaggio e, ancora più indietro, le montagne.

Rapporti (R)

L'opera presenta diverse direzioni, e vi è contrasto tra la chiarezza e il movimento del cielo e la quiete e l'oscurità del villaggio. Il dinamismo del cielo è mostrato con linee ondulate che si combinano insieme, mentre per evidenziare il silenzio del paese usa linee rette.

Tempo ed Espressività (TE)

Questo è un quadro molto rigoroso e vibrante attraverso le sue linee sinuose e verticali. La rappresentazione del paesaggio è il risultato della volontà dell'artista in quanto non è una rappresentazione fedele della realtà: il campanile della chiesa non è quello di Saint-Rémy, ma corrisponde alle chiese dei Paesi Bassi. Vi è una stretta connessione tra le forme rappresentate e lo stato d'animo dell'artista. Il colore non corrisponde alla realtà ma alle emozioni dell'artista. Così, l'artista mostra un paesaggio in cui plasma le sue emozioni e la sua soggettività.

Stile (E)

Post-impressionista. Lo stile di Van Gogh, assolutamente personale, è pura potenza espressiva. Dipinge con colori vivaci, catturando i tratti in modo molto energico e persino violento. La sua opera è influenzata dall'impressionismo, ma va oltre i postulati impressionisti di luce e colore. Per la rappresentazione dello spazio, molto originale, si ispira all'arte giapponese, che gli fornisce una cornice molto originale e la linea di contorno delle figure greche. I paesaggi di Van Gogh esprimono una profonda spiritualità. Il trattamento del paesaggio religioso era stato avviato da Friedrich, pittore romantico tedesco, e ripreso da altri artisti come Millet. La sua influenza sugli espressionisti come Munch e i tedeschi (Kirchner, Kokoschka...) è evidente nella capacità di esprimere le proprie emozioni attraverso la pittura. Van Gogh diventerà un'icona della cultura moderna.

Contesto Storico e Interpretazione (CSI)

Il paesaggio notturno manifesta l'interesse per l'espressione dei colori della notte, così come il significato di questo momento di mistero, di solitudine e angoscia. L'artista crea un realismo che va oltre la semplice rappresentazione degli effetti della natura. Questo è il campo in cui si manifesta la sua tensione interna, luce e colore sono i mezzi per esprimerla. Questo paesaggio notturno fu dipinto nel 1889 nel sanatorio di Saint-Rémy, dove Van Gogh fu ricoverato per crisi epilettiche, un anno prima del suicidio. A differenza di altre sue opere, questo paesaggio non fu dipinto all'esterno, ma dalla stanza del sanatorio, da dove poteva vedere il cielo attraverso una piccola finestra. In questa situazione estrema, l'artista ha tratto dall'interno questa scena, in cui la natura, esaltata, dispiega la sua energia e mostra il suo splendore. La natura serve a Van Gogh per esprimere la sua percezione di un mondo primordiale e puro, diverso dalla realtà moderna dell'inquinamento e del dramma religioso. Gli elementi della natura, l'ulivo, il cipresso, sono strumenti formali usati per dare corpo al suo stato d'animo. Il cipresso, elemento verticale, simboleggia la fede nella vita dopo la morte e l'idea stessa della morte. La guglia della chiesa è un'eco del cipresso. Le case del villaggio, con le luci che mostrano il calore umano, sono ben lontane dal pittore che è solo. Le stelle, lontane, misteriose, dinamiche e simili a cellule, servono per esprimere il suo anelito religioso. Van Gogh, guardando l'immensità della notte, cerca la risposta di Dio.

Funzione (F)

Van Gogh dipingeva per trovare una via di fuga alla sua angoscia e, anche se la sua opera non fu riconosciuta, ha sempre mantenuto la sua innata capacità di catturare le emozioni. L'artista dipinge in cerca di conforto attraverso la rappresentazione della natura. In questo dipinto l'artista è riuscito a plasmare la sua crisi intima, che ha una notevole componente religiosa. Utilizzando il tema del paesaggio, apparentemente laico, Van Gogh ha cercato nella natura risposte alle sue domande sull'infinito, che la religione tradizionale non gli forniva.

Aspetti Esterni (AEX)

Nel XIX secolo vi è un declino dei valori religiosi che vengono messi in discussione dal progresso scientifico. La natura e il cosmo offrono all'uomo risposte all'infinito. Il pittore, figlio di un pastore protestante, era cresciuto nella fede, ed egli stesso aveva studiato teologia, per poi dedicarsi alla pittura. Disse in una delle sue lettere che cercava una pittura che potesse fornire sollievo, ma lontana dalle idee religiose tradizionali. Saint-Rémy era una zona di agricoltura tradizionale, arida e mediterranea. C'erano cipressi e ulivi e, a sud, si trovavano le montagne delle Alpilles. Van Gogh venne qui in cerca di nuovi stimoli per la sua pittura. Fu ricoverato in ospedale dopo un esaurimento nervoso, dove trascorse un anno dipingendo intensamente. Tornò poi nel nord della Francia, dove si suicidò due mesi dopo.

Conclusione (Co)

L'opera di Van Gogh è stata molto innovativa e divenne un precursore dell'espressionismo. La sua pittura, attraverso la qualità emotiva del colore e la forza della sua pennellata, esprime emozioni e tensioni umane.

Altri Dipinti

La Vicaria di Fortuny

Dati di Base (DB)

L'azione si svolge in una vicaria del XVIII secolo. La scena rappresenta una doppia firma ispirata alla sacrestia di San Sebastiano a Madrid, dove Fortuny si sposò.

Elementi Pittorici (EP)

Predomina il colore sulla linea, anche se è ben definita, con figure ben rifinite. I colori sono applicati con una pennellata fine e precisa. Prevalgono i colori caldi sui freddi (anche se molto rappresentati). C'è una luce ad alta intensità, che proviene da sinistra, il che significa che c'è una finestra.

Composizione (C)

Composizione equilibrata (grazie al braciere e alla lampada). La luce colpisce l'opera da sinistra e rende i colori chiari nella zona di destra, dove c'è più ombra. L'opera è strutturata dal punto di fuga, che si trova sui documenti. Ci sono due assi orizzontali, nei documenti e nelle sbarre. E anche due assi diagonali che emergono dai documenti. Infine ci sono anche due linee verticali tra i documenti e le colonne del cancello d'oro. Si evidenzia inoltre il gruppo centrale, che firma i documenti del matrimonio, e il gruppo a sinistra con la donna e il torero.

Analisi (A)

Costruzione stabile grazie a elementi come la lampada e il braciere.

Tempo ed Espressività (TE)

Momento aneddotico, non trascendentale, è una scena quotidiana.

Stile (E)

Realistico-Fortunyista. Fortuny è considerato il secondo miglior pittore del XIX secolo dopo Goya. Creò uno stile unico, che si divide tra il realismo e il fortunyismo.

Contesto Storico e Interpretazione (CIS)

Nel quadro sono presenti tre gruppi: a sinistra il vicario, il gruppo principale si trova al centro, dove la sposa e lo sposo firmano i documenti e assistono il sacerdote; possiamo anche osservare il mendicante che si collega con il terzo gruppo, dove le persone sono in totale relax in contrasto con l'azione principale.

Funzione (F)

Decorativa. Il dipinto è una scena di costume o di genere.

Fucilazioni del 3 Maggio di Goya

Dati di Base (DB)

L'opera rappresenta le fucilazioni del 3 maggio a Madrid.

Elementi Pittorici (EP)

Prevale la formulazione pittorica, con tratti lunghi e aperti con forza espressiva. La gamma cromatica è ridotta (ocra, nero, bianco, giallo, rosso). La luce colpisce il colore e crea forti contrasti e sfumature.

Composizione (C)

La composizione è divisa in tre gruppi e il paesaggio sullo sfondo delle case. A sinistra si trova un gruppo di persone, alcune morte e altre in attesa di essere fucilate. Sulla destra c'è un plotone di soldati posizionati in diagonale. La composizione è organizzata grazie alla figura di fronte ai soldati. La luce è usata per illuminare i personaggi a sinistra, mentre le ombre circondano i soldati sulla destra. La luce e il colore creano profondità. La linea dell'orizzonte dà realismo e include lo spettatore nell'opera.

Analisi (A)

Maggiore dinamismo nella scena grazie alla diagonale.

Tempo ed Espressività (TE)

Grande espressione negli atteggiamenti dei personaggi (orrore, eroismo, rassegnazione). Tuttavia i soldati sono rappresentati come figure disumanizzate.

Stile (E)

Pur essendo un'opera compresa nel periodo neoclassico, presenta delle caratteristiche della pittura romantica. Goya si ispira alla tradizione barocca, sia nelle risorse pittoriche che nelle espressioni. Si integra inoltre il tenebrismo del XVII secolo. Goya diventerà un innovatore della plastica e ispirerà autori successivi come Manet.

Contesto Storico e Interpretazione (CIS)

Il quadro mostra le esecuzioni delle truppe francesi effettuate sulla città di Madrid, un giorno dopo la rivolta spontanea. La figura dell'uomo con le braccia aperte è associata alle icone della crocifissione di Gesù, e la luce alla presenza di Dio. Goya rappresenta il popolo come eroi da una sensibilità lontana dall'eroismo nei dipinti neoclassici. Grazie all'idea di lotta passionale del popolo, mostra una chiara sensibilità romantica.

Funzione (F)

Nessuno scopo preciso. Anche se il tema dei dipinti diventa una testimonianza degli eventi di Madrid.

Aspetti Esterni (AEX)

L'insurrezione popolare contro le truppe napoleoniche portò a una lunga guerra. Goya, chiaro sostenitore delle idee dell'Illuminismo, rappresenta l'orrore, la barbarie e l'eroismo del popolo. Deluso dalla situazione politica, andò in esilio a Bordeaux, dove morì. L'autore si distinse come pittore e incisore. Fu introdotto negli ambienti aristocratici fino a quando fu nominato pittore di corte di Carlo IV.

Colazione sull'Erba di Manet

Dati di Base (DB)

L'opera raffigura due coppie che gustano un pasto all'aperto.

Elementi Pittorici (EP)

Prevale la formulazione pittorica. Le figure sono disegnate senza linee di contorno, sono masse di colori piatti a formare le diverse figure. Non c'è chiaroscuro per creare volume, i dettagli dello sfondo sono appena abbozzati. C'è un equilibrio tra colori caldi e freddi, con colori caldi per la luce che illumina le figure femminili.

Composizione (C)

Manet pone le figure al centro del quadro, formando una composizione triangolare e chiusa. Due delle figure guardano direttamente lo spettatore, complici. L'altra figura maschile è in conversazione con una delle donne. Manet sfida le leggi della prospettiva tradizionale, perché la figura femminile dello sfondo è sullo stesso piano delle altre.

Analisi (A)

Le figure sono in equilibrio, presentate in modo naturale. La scena è rilassata e le espressioni sono quotidiane, con i personaggi che si rivolgono direttamente allo spettatore.

Stile (E)

Impressionismo. L'impressionismo di Manet cominciò ad essere sviluppato in seguito. L'autore ha sviluppato temi come il realismo: scene quotidiane all'aperto, paesaggi. Presenta anche una serie di innovazioni stilistiche come l'uso di colori puri. Per questo motivo è considerato il padre dell'impressionismo.

Contesto Storico e Interpretazione (CIS)

L'opera è ispirata a un dipinto di Tiziano, a soggetto mitologico, dove è rappresentata una scena simile. Allo stesso tempo, il quadro ha anche ispirato molti artisti successivi come Picasso. L'opera, esposta nel 1863, fu ritenuta volgare e moralmente condannata. Fu anche criticato lo stile, poco raffinato, senza disegnare i contorni o i dettagli dello sfondo.

Funzione (F)

Lo scopo di quest'opera era principalmente estetico, ed è stata realizzata con l'intenzione di esporla al Salon per farsi conoscere direttamente dai clienti.

Conclusione (Co)

Manet, considerato il padre dell'espressionismo, anche se coltiva uno stile basato sulla rappresentazione realistica di scene di vita quotidiana, ritratti e paesaggi all'aperto. La sua strada ha aperto la via all'impressionismo, sviluppando un concetto nuovo nella storia.

Impressione, Levar del Sole di Monet

Dati di Base (DB)

Possiamo vedere l'alba sul mare, alcune barche e alberi. Il disegno è praticamente scomparso e la pennellata è frammentata, fatta di tocchi, in cui il colore è luce.

Elementi Pittorici (EP)

Monet indaga l'effetto del sole ed è preoccupato per questioni estetiche di colore.

Composizione (C)

Unione dei piani, per cui vi è una certa profondità: prima le barche più vicine, poi gli alberi e infine le altre barche, anche se non si vuole visualizzare una profondità prospettica, ma atmosferica. La mobilità dello spazio è catturata attraverso la vibrazione della luce e dell'atmosfera. Lo spazio viene catturato, vale a dire, l'aria, i riflessi...

Rapporti (R)

L'idea di impressionismo mostra la fluidità del tempo.

Tempo ed Espressività (TE)

Aumenta le possibilità della sensazione, cioè, luce, acqua e atmosfera. Attraverso i colori esprime un senso lirico della natura e non è interessato a mostrare la realtà visiva in modo oggettivo.

Stile (E)

L'impressionismo parte dal realismo, ma compie una rivoluzione artistica (XIX secolo). Con l'impressionismo la forma è definita dalla vibrazione del colore che esiste solo attraverso il fenomeno della luce. Monet indagò gli effetti ottici della luce e fu il pittore che più contribuì a questo movimento, che segna l'inizio dell'arte moderna, con l'inizio dell'astrazione.

Contesto Storico e Interpretazione (CIS)

Quest'opera fu realizzata da Monet a Le Havre dalla sua finestra. Il tema è la natura stessa, ma è soprattutto l'incarnazione del fenomeno della luce. Quando si parla di"impression" si solleva anche la preoccupazione dell'artista, che vede ciò che vuole. In breve si tratta di una congiunzione tra visione e sentimento, con essa la percezione del tempo diventa sempre più pervasiva.

Funzione (F)

Decorativa. Funzione estetica. Vuole indagare la tecnica della pittura e creare una nuova concezione della pittura basata sull'atmosfera. Altre spiegazioni: quest'opera partecipò alla prima mostra del gruppo impressionista, insieme ad altri pittori (Renoir, Pissarro...). Furono presentati in una mostra di belle arti, in subordine. Quando gli fu chiesto il titolo, disse di mettere"Impression" e il critico Louis Leroy osservò che la carta da parati era più completa di questa tela, e disse:"se... molto impressionistic". Dato che gli altri erano a favore. Alla fine fu accolta e ci riuscì.

Conclusione (Co)

Monet, con le sue serie, in cui analizzava le diverse ore del giorno, apre la strada verso l'arte astratta. Attraverso di lui, Kandinsky capì che forma e colore non devono dipendere dall'oggetto e possono esprimere le emozioni di per sé.