Appunti, riassunti, compiti, esami e problemi di Lettere e Filosofia

La Città Fortezza

Gli Achei

Intorno al 1600 a.C., la civiltà micenea si sviluppa nel Peloponneso. La società micenea è organizzata secondo una rigida struttura sociale, ai cui vertici stanno un re e le alte gerarchie militari: il comandante dell’esercito e i nobili guerrieri. Non si tratta di uno stato unitario, ma di una serie di piccoli regni basati su città potenti.

Queste sono città-fortezza molto diverse da quelle minoiche: Creta, infatti, non aveva mura difensive, poiché si pensava potesse essere una società pacifica. Nelle città micenee, al contrario, si trovano strutture urbane imponenti e fortificate.

Micene: Architettura e Difesa

La città sorge sulla sommità di un promontorio ed è circondata da mura ciclopiche, dello spessore... Continua a leggere "Micene e gli Achei: Struttura Sociale, Architettura Ciclopica e Corredi Funerari" »

XII Secolo: Monarchie Nazionali in Europa

Nel XIII secolo, i contrasti tra il re francese Filippo il Bello (1285-1314) e il papa Bonifacio VIII (1294-1303) portarono al trasferimento della sede papale da Roma ad Avignone nel 1309, dove rimase per circa settant'anni.

La"Cattività Avignones" e la Nascita delle Signorie

Durante la"cattività avignones", i territori italiani appartenenti alla Chiesa acquisirono sempre maggiore autonomia, dando origine a piccole Signorie cittadine guidate da mercanti, banchieri e borghesi, il nuovo ceto sociale emergente.

Anche molti Comuni si trasformarono in Signorie. Questi fattori favorirono la nascita del Gotico, uno stile artistico utilizzato per esprimere la forza e l'eleganza dei monarchi, dei signori e della... Continua a leggere "L'Arte Gotica: Architettura, Pittura e Significato" »

Annibale Carracci (Bologna 1560)

Vertice dell'Accademia, Annibale Carracci fu più un esempio che un teorico. Il suo **disegno** raggiunse una **perfezione raffaellesca**, una tecnica colta e raffinata, maturata sullo studio del **Rinascimento fiorentino e romano**. Egli paragonava l'uso del pennello alla parola.

Il Mangiafagioli

Il *Mangiafagioli* è uno dei primi esempi di '**scena di genere**' nell'arte italiana. Questo tipo di pittura, già diffuso in area fiamminga, ritrae soggetti tratti dalla vita quotidiana, scene non sacre, né storiche, né mitologiche, ma scene di tutti i giorni, spesso considerate minori.

L'opera rappresenta un popolano nell'atto di divorare con avidità una scodella di fagioli. Sul tavolo sono disposti poveri oggetti... Continua a leggere "Annibale Carracci: Tra Realismo e Mito, dal Mangiafagioli agli Affreschi di Palazzo Farnese" »

Immagine Maggiore:

Impressionismo

L'Impressionismo si affermò privo di una base culturale omogenea. Gli artisti provenivano da diverse esperienze artistiche e realtà sociali. Il movimento, privo di manifesti e non organizzato né preordinato, nacque con giovani artisti che iniziarono a riunirsi settimanalmente al Café Guerbois. Questi artisti non rappresentavano più la realtà oggettiva, ma le sensazioni che essa suscitava in loro. Il critico Louis Leroy, prendendo spunto dall'opera di Monet, usò il termine "Impressionisti" in maniera dispregiativa.

Tecniche Impressioniste

Abolizione del disegno e delle linee che contornano gli oggetti definendone i volumi. Utilizzo di colori puri, evitando i forti contrasti chiaroscurali. Il nero era bandito perché considerato... Continua a leggere "Impressionismo: Luce, Colore e Movimento nell'Arte di Monet" »

IMPRESSIONISMO

Gli artisti impressionisti si concentrano su un aspetto specifico della realtà che è influenzato dalla luce atmosferica, il quale varia in base all'ora del giorno, alle condizioni meteorologiche e alla stagione. Questo significa che quando rappresentano un paesaggio, esso non sarà mai identico in quanto la luce e le condizioni ambientali cambiano continuamente.

L'impressionismo ha avuto inizio il 15 aprile 1874 con la prima mostra degli artisti impressionisti. Per far conoscere la loro arte e loro stessi, gli impressionisti hanno dovuto cercare altre vie in quanto non erano accettati nei saloni. Pertanto, hanno organizzato la loro mostra nello studio di un fotografo, poiché la fotografia era considerata una tecnica moderna... Continua a leggere "L'Impressionismo: Luce, Colore e Modernità nella Pittura" »

Filippo Lippi: Madonna di Tarquinia, stile e influenze del Quattrocento

Biografia e formazione

Filippo di Tommaso Lippi nacque a Firenze nel 1406. Rimase orfano a otto anni e fu accudito dai monaci del convento del Carmine. All'età di quindici anni prese i voti. In quel periodo conobbe probabilmente Masaccio e Masolino, che stavano affrescando la Cappella Brancacci, rimanendone influenzato. La sua formazione si basava sugli esempi del plasticismo di Masaccio e sulla luminosità cromatica di Masolino. Ne rimase influenzato anche il figlio, Filippino Lippi, che completò alcuni lavori iniziati da Masaccio, non portati a termine a causa della morte di quest'ultimo a Roma.

Storia personale e modelli

Per la realizzazione di un dipinto raffigurante... Continua a leggere "Filippo Lippi e la Madonna di Tarquinia: stile, influenze e data (1437)" »

Contrasti Stilistici: Pittura Fiamminga e Rinascimento Italiano

I giovani artisti provenienti dalle Fiandre (che includevano Paesi Bassi, Lussemburgo, Belgio, Olanda e parte della Germania) svilupparono un linguaggio pittorico caratterizzato da un'attenzione dettagliata e minuziosa ai particolari.

Differenze Fondamentali nella Rappresentazione dello Spazio

Questi maestri non conoscevano la prospettiva né le leggi delle proporzioni, concetti che erano invece frutto delle ricerche sviluppate in Italia. Gli artisti italiani, al contrario, impostavano la rappresentazione di uno spazio reale attraverso l'uso rigoroso della prospettiva e l'inserimento di elementi, oggetti e soggetti seguendo precise proporzioni geometriche.

Non conoscendo la prospettiva,... Continua a leggere "Pittura Fiamminga: Tecnica, Luce e Distinzione dal Rinascimento Italiano" »

Nelle immagini pittoriche tradizionali, la luce non proveniva da fonti determinate; non illuminava in maniera differenziata e non creava zone distinte di luce e ombra.

Il Concetto di Luce nell'Arte Italiana

I pittori italiani, pur avendo perfezionato la tecnica del chiaroscuro, utilizzavano la luce principalmente per conferire un senso di tridimensionalità ai corpi. Tuttavia, questo approccio rimaneva fondamentalmente astratto e molto concettuale nel modo di concepire la luce.

Nell'arte italiana, la creazione dell'immagine avveniva generalmente seguendo questo schema:

• Costruzione della forma tramite il disegno, basandosi sulla conoscenza pregressa della sua struttura.
• Colorazione della forma utilizzando i colori che si *sapeva* quegli oggetti possedessero.